杨飞云语录_艺术台_中国网络电视台

中国现今的学院教育体制与历史上中国和西方的作坊制不同，与现当代西方的教育负责制也有所不同。我们目前上大课，提倡的是集体教学，这其中有利有弊。学生们在学习期间，要面对各种各样不同的老师。一个老师如果能引导学生界透过现象去看本质，那是学生的福气。老师们每一个人的艺术主张不一样，自身特点也不一样，虽然学生可以兼收并蓄，但有时也未必是好事。这个问题也应从两个方面来讲。每一个老师，都有他的强项，亦都有他的弱项，学生一般自然将眼光盯在老师的强项上。但看一个老师的弱项，我觉得学生应不要从表面上去理解，如果留心看一下，许多艺术家风格的形成反倒是因为其弱的一面所致。因着弱的一面，强的一面才显得那样突出。但一个艺术家的强弱在他自身是和谐统一的，学生学习却不可以不理解整体来学的，因为在对方那里，强弱是一个有机的整体。

有的学生讲，我去学这个老师的造型，学那个老师的色彩，学另外一个老师的构成，，这简直是不可能的。就像你永远也不可能把安格尔的造型、修拉的色彩、康定斯基的构成组合成一个画面样式一样，你要勉为其难的话，搞出来的也只会是一个怪物。我反反复复地强调要从根源上去学习，就是要告诉学生要学的只是一种规律而非某种样式。如果一个学生尊重自己的感受去吸收老师那里贴近艺术规律的长处，这样才会有所收获。否则，做了半天也是在做无用功。但学生也不能先入为主地去学习，这样的学习心态很触摸到真理。

这几年给一届又一届的进修生上课，学生们都是从全国各地来的，有的也是各地院校的主力，都有自己的一套东西。教的时候就比较费心，学生热情虽然很高，但有些人两年下来学习的进步不大。有的基础差一点的学生由于学习态度很谦虚，反而在原有的基础上进步要明显一些。这说明了什么问题呢？这里有一个吸收的状态问题。其实，不只是这些学生，我们都一样。一旦抱着自己的那些东西不放、固步自封的时候，要想进步就很难了。孔子那样高智慧的人还说“三人行，必有我师；择其善者而从之，其不善者而改之。”这里道出了一个谦虚、求真的心态。其实，在具象绘画的这条路上，不仅可以吸收印象派、现代艺术的一些东西，顺势推移，各门类的艺术精髓都是可以相互借鉴的。画画其实大可比之为一个庞大的工程。学习规律、打根基也不要一天到晚只考虑自己画布上的这点事情，触觉可以伸得远一点，学习的范围亦可宽泛一些。理想上可以志存高远，但做起来一定一步一步踏实地进行。

今天，艺术上也是有太多的现象时沉时浮，人很容易掉在里面出不来，如果被灰尘蒙蔽了眼睛，你洗去尘埃就是了，关键是你是不是知道你的眼睛蒙尘，或者你已知道却也习惯了用蒙尘的眼睛去看世界。但是，不管怎样，告诉你洗去他这是一个做教师的责任。

这几年在教学中，我感到了一种来自社会时潮的影响力，人们的价值取向迷失，评判标准模糊。这样做可以，那样做似乎也可以。学生看似学习的路子广、方向多，却少有人能行在真理上。所以，关于标准的建立我个人觉得是十分重要的，你走什么样的路子不重要，但如果你要进步，你得找到进入你这条路子的标准。它不是泛泛的、不着边际的，而是有法有度、有章可循的。中国古代的画论谢赫“六法”我觉得是学画的原理：气韵生动，骨法用笔，应物象形，随类赋彩，经营位置，传移模写。不管中、西，只要是画画似乎都是遵行。而“天地有大美而不言，四时有明法而不诲，万物有成理而不说”（《庄子·知北游》），庄子体悟到的循道、虔敬我亦觉得是一种标准；张璪讲“外师造化，中得心源”又给我们讲了一个审美的标准。而王国维在他的《人间词话》中讲到：“大家之作，其言情也，必沁人心脾；其写景也，必豁人耳目；其辞脱口而出，无矫揉妆束之态，以所见者真，所知者深也。”这似乎也可以作为我们的一个欣赏标准。标准似乎很多，其实不然，标准的外在形式不同甚至很多，而真理却只有一个。所谓的条条大陆通罗马，你走哪一条路不重要，重要的是你的目的地是罗马，而不是别的什么地方。有了内在真理，一切就好办了，因为有了它就有了比较，有了比较也就能找到自己的差距，不足的地方你去学，你去做就是了。朝着标杆直跑这样就自然会少走弯路。

学生在学习的过程中遇到了问题、被一些现象所困的时候、做老师的，大道理先可以不讲，先去问问他内心真正想要什么。如果他的心理充满贪欲，这另当别论。如果仅仅是被一叶所障目，把一些经典的画往他面前一摆也就是了。告诉他，没有捷径可走，你要追求这个目标，你就必须进入法度中去锤炼，来不得半点虚假。

我时常告诉学生，不要被某种效果迷惑，要去研究、理解支撑这种“效果”后面的规律。自己当学生时，在这上面也走过很多弯路。我1978年进入中央美院读书之前，见的东西特别少。能扒着窗户偷看内蒙古师大美术系学生的习作，就很难得了。进校以后，一下子面对这么多心仪已久的老师，在图书馆还能看到外国的画册，那种新鲜、兴奋的感觉自是不能言喻。上学期间又赶上“法国乡村绘画展”和“哈默藏画展”等很有质量的大型展览，一下子就被其中几位画家的好画迷住了，当时就想：“油画还能画成这样？”特别想尝试去摸索一下那种细腻、平实严谨的画风，自己觉得我们所学的方法画不出来，可能是材料技巧不对，于是自己私下里做了好多实践。去尝试用各种各样的油，各种方法和材料包括坦培拉，也尝试去平涂和罩染。做底子的时候用砂纸磨来磨去，打磨得很平，还尝试在木板和各种细棉布上去画，这样搞了好长时间，作了半天，画也不见有实质性的长进，因为作在表面上了，那结果也自然不言而喻。对于材料性能和所出现的效果有很多了解和认识，从表面上作，绘画能力不提高也是不会进步的。后来我有机会多次出国去参观博物馆，跳出这个圈子，对此也逐渐有了更多的认识。当然，今天看来，这个阶段，作为一个学生是很难超越的，或多或少都会去摸一下，了解之后他才会再回来。跌跌碰碰、反反复复是一个学习过程中的必然经历。

对造型的理解、对色彩的研究、对构成的关注、对空间的认识是本质，没有这些操练不行。这样一种认识是我从实践而来的体会。我也给学生讲我的经历，结合这些经历再阐明我的观点，以免言之无物。

1987年全国各地一大批人跑到东北去学法国画家伊维尔的那个“神膏”，这也反映了当时人们的一种心情，许多的人还没有上升到搞艺术的这样一个层面，还没有认识到这画画除了材料之外还有更重要的东西，或者说即使有认识也还比较浅，要不然，大家也不会将之称为“神膏”。比如还流行过一阵“怀斯风”和“弗洛伊德风”，一大批人沉于其间，结果自然是可想而知。学习如果是学某几个画家的画面效果，就算穷其一生，也只能得些皮毛。我觉得这里面没有什么秘密，因为一个人艺术上的高度民主最终其实取决于他的心灵品质，理解能力和认识水平。至于手段上的东西，用什么样的油还是用什么样的膏，用大笔触还是小笔触，用这种还是那种手法处理画面都没关系，这些不是不好，而是它仅而是它仅仅是件“工具”，如果适合你的表现，你可以借鉴；如果不适合你，你就可以不理睬。就像伊维尔的“神膏”对他或某些人很有用，但如果你把它拿去给凡高、马蒂斯，他们肯定将其扔到一边，因为对他们来说，它什么也不是。如果能贴近自己的内心，了解自己究竟是怎样的一个人，清楚了自己的情况，再去选择你该做的事，这样才符合本性，吸收、学习起来才有目的和方向。我常常劝学生们不要受利益驱使去做自己做不了的事，那样，你即便做了，也做不出水平。如果不时真热爱绘画的人，绘画只是作为实现他们欲念的工具，我劝他们大可不必在此浪费时间，艺术乃纯洁高尚的事业，想靠小聪明讨巧，其实没出息。在教学中还有一个很大的问题救护平时的训练和创作的关系。有两类画家，一类是把训练当做过程，将创作视为结果；一类是将训练作和创作视为一体，两者之间没有明确的界定。