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杨飞云语录

发布时间:2012年09月19日 14:18 | 进入美术论坛 | 来源:央视网 | 手机看视频


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       中国现今的学院教育体制与历史上中国和西方的作坊制不同,与现当代西方的教育负责制也有所不同。我们目前上大课,提倡的是集体教学,这其中有利有弊。学生们在学习期间,要面对各种各样不同的老师。一个老师如果能引导学生界透过现象去看本质,那是学生的福气。老师们每一个人的艺术主张不一样,自身特点也不一样,虽然学生可以兼收并蓄,但有时也未必是好事。这个问题也应从两个方面来讲。每一个老师,都有他的强项,亦都有他的弱项,学生一般自然将眼光盯在老师的强项上。但看一个老师的弱项,我觉得学生应不要从表面上去理解,如果留心看一下,许多艺术家风格的形成反倒是因为其弱的一面所致。因着弱的一面,强的一面才显得那样突出。但一个艺术家的强弱在他自身是和谐统一的,学生学习却不可以不理解整体来学的,因为在对方那里,强弱是一个有机的整体。

       有的学生讲,我去学这个老师的造型,学那个老师的色彩,学另外一个老师的构成,,这简直是不可能的。就像你永远也不可能把安格尔的造型、修拉的色彩、康定斯基的构成组合成一个画面样式一样,你要勉为其难的话,搞出来的也只会是一个怪物。我反反复复地强调要从根源上去学习,就是要告诉学生要学的只是一种规律而非某种样式。如果一个学生尊重自己的感受去吸收老师那里贴近艺术规律的长处,这样才会有所收获。否则,做了半天也是在做无用功。但学生也不能先入为主地去学习,这样的学习心态很触摸到真理。

       这几年给一届又一届的进修生上课,学生们都是从全国各地来的,有的也是各地院校的主力,都有自己的一套东西。教的时候就比较费心,学生热情虽然很高,但有些人两年下来学习的进步不大。有的基础差一点的学生由于学习态度很谦虚,反而在原有的基础上进步要明显一些。这说明了什么问题呢?这里有一个吸收的状态问题。其实,不只是这些学生,我们都一样。一旦抱着自己的那些东西不放、固步自封的时候,要想进步就很难了。孔子那样高智慧的人还说“三人行,必有我师;择其善者而从之,其不善者而改之。”这里道出了一个谦虚、求真的心态。其实,在具象绘画的这条路上,不仅可以吸收印象派、现代艺术的一些东西,顺势推移,各门类的艺术精髓都是可以相互借鉴的。画画其实大可比之为一个庞大的工程。学习规律、打根基也不要一天到晚只考虑自己画布上的这点事情,触觉可以伸得远一点,学习的范围亦可宽泛一些。理想上可以志存高远,但做起来一定一步一步踏实地进行。

       今天,艺术上也是有太多的现象时沉时浮,人很容易掉在里面出不来,如果被灰尘蒙蔽了眼睛,你洗去尘埃就是了,关键是你是不是知道你的眼睛蒙尘,或者你已知道却也习惯了用蒙尘的眼睛去看世界。但是,不管怎样,告诉你洗去他这是一个做教师的责任。

       这几年在教学中,我感到了一种来自社会时潮的影响力,人们的价值取向迷失,评判标准模糊。这样做可以,那样做似乎也可以。学生看似学习的路子广、方向多,却少有人能行在真理上。所以,关于标准的建立我个人觉得是十分重要的,你走什么样的路子不重要,但如果你要进步,你得找到进入你这条路子的标准。它不是泛泛的、不着边际的,而是有法有度、有章可循的。中国古代的画论谢赫“六法”我觉得是学画的原理:气韵生动,骨法用笔,应物象形,随类赋彩,经营位置,传移模写。不管中、西,只要是画画似乎都是遵行。而“天地有大美而不言,四时有明法而不诲,万物有成理而不说”(《庄子·知北游》),庄子体悟到的循道、虔敬我亦觉得是一种标准;张璪讲“外师造化,中得心源”又给我们讲了一个审美的标准。而王国维在他的《人间词话》中讲到:“大家之作,其言情也,必沁人心脾;其写景也,必豁人耳目;其辞脱口而出,无矫揉妆束之态,以所见者真,所知者深也。”这似乎也可以作为我们的一个欣赏标准。标准似乎很多,其实不然,标准的外在形式不同甚至很多,而真理却只有一个。所谓的条条大陆通罗马,你走哪一条路不重要,重要的是你的目的地是罗马,而不是别的什么地方。有了内在真理,一切就好办了,因为有了它就有了比较,有了比较也就能找到自己的差距,不足的地方你去学,你去做就是了。朝着标杆直跑这样就自然会少走弯路。

       学生在学习的过程中遇到了问题、被一些现象所困的时候、做老师的,大道理先可以不讲,先去问问他内心真正想要什么。如果他的心理充满贪欲,这另当别论。如果仅仅是被一叶所障目,把一些经典的画往他面前一摆也就是了。告诉他,没有捷径可走,你要追求这个目标,你就必须进入法度中去锤炼,来不得半点虚假。

       我时常告诉学生,不要被某种效果迷惑,要去研究、理解支撑这种“效果”后面的规律。自己当学生时,在这上面也走过很多弯路。我1978年进入中央美院读书之前,见的东西特别少。能扒着窗户偷看内蒙古师大美术系学生的习作,就很难得了。进校以后,一下子面对这么多心仪已久的老师,在图书馆还能看到外国的画册,那种新鲜、兴奋的感觉自是不能言喻。上学期间又赶上“法国乡村绘画展”和“哈默藏画展”等很有质量的大型展览,一下子就被其中几位画家的好画迷住了,当时就想:“油画还能画成这样?”特别想尝试去摸索一下那种细腻、平实严谨的画风,自己觉得我们所学的方法画不出来,可能是材料技巧不对,于是自己私下里做了好多实践。去尝试用各种各样的油,各种方法和材料包括坦培拉,也尝试去平涂和罩染。做底子的时候用砂纸磨来磨去,打磨得很平,还尝试在木板和各种细棉布上去画,这样搞了好长时间,作了半天,画也不见有实质性的长进,因为作在表面上了,那结果也自然不言而喻。对于材料性能和所出现的效果有很多了解和认识,从表面上作,绘画能力不提高也是不会进步的。后来我有机会多次出国去参观博物馆,跳出这个圈子,对此也逐渐有了更多的认识。当然,今天看来,这个阶段,作为一个学生是很难超越的,或多或少都会去摸一下,了解之后他才会再回来。跌跌碰碰、反反复复是一个学习过程中的必然经历。

       对造型的理解、对色彩的研究、对构成的关注、对空间的认识是本质,没有这些操练不行。这样一种认识是我从实践而来的体会。我也给学生讲我的经历,结合这些经历再阐明我的观点,以免言之无物。

       1987年全国各地一大批人跑到东北去学法国画家伊维尔的那个“神膏”,这也反映了当时人们的一种心情,许多的人还没有上升到搞艺术的这样一个层面,还没有认识到这画画除了材料之外还有更重要的东西,或者说即使有认识也还比较浅,要不然,大家也不会将之称为“神膏”。比如还流行过一阵“怀斯风”和“弗洛伊德风”,一大批人沉于其间,结果自然是可想而知。学习如果是学某几个画家的画面效果,就算穷其一生,也只能得些皮毛。我觉得这里面没有什么秘密,因为一个人艺术上的高度民主最终其实取决于他的心灵品质,理解能力和认识水平。至于手段上的东西,用什么样的油还是用什么样的膏,用大笔触还是小笔触,用这种还是那种手法处理画面都没关系,这些不是不好,而是它仅而是它仅仅是件“工具”,如果适合你的表现,你可以借鉴;如果不适合你,你就可以不理睬。就像伊维尔的“神膏”对他或某些人很有用,但如果你把它拿去给凡高、马蒂斯,他们肯定将其扔到一边,因为对他们来说,它什么也不是。如果能贴近自己的内心,了解自己究竟是怎样的一个人,清楚了自己的情况,再去选择你该做的事,这样才符合本性,吸收、学习起来才有目的和方向。我常常劝学生们不要受利益驱使去做自己做不了的事,那样,你即便做了,也做不出水平。如果不时真热爱绘画的人,绘画只是作为实现他们欲念的工具,我劝他们大可不必在此浪费时间,艺术乃纯洁高尚的事业,想靠小聪明讨巧,其实没出息。在教学中还有一个很大的问题救护平时的训练和创作的关系。有两类画家,一类是把训练当做过程,将创作视为结果;一类是将训练作和创作视为一体,两者之间没有明确的界定。

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